Be a Body: la mostra di New York affronta l’importanza del lavoro su schermo

Nel 1982 avrebbero cantato uscendo dal teatro, confondendosi nella luce improvvisa del sole. Avevano appena visto Videodrome, il film horror tecno-erotico di David Cronenberg, e si sono trovati d’accordo. Il video era ormai ineluttabilmente fisico. Ho visto il film solo molto tempo dopo, ma non dimenticherò mai la scena televisiva in cui il protagonista, un misero programmatore di nome Max Wren, getta una videocassetta. L’involucro sembra incresparsi, alzarsi e abbassarsi, come se respirasse pesantemente. Le vene scoppiano e lo schermo diventa letteralmente un capezzolo, che fuoriesce dall’inquadratura come un ammasso di carne. Una serie di mostre a New York lo scorso autunno ha ampliato questo sentimento e ha esaminato l’importanza del lavoro su schermo.

Come la tecnica del collage ha sostituito la pittura a olio”, disse Nam June Paik nel 1965, “così il tubo catodico sostituirà la tela”. Sia musei che gallerie. Tuttavia, i primi giorni della videoarte sono stati un’eccitante epoca di fiamma, quando schermi cubici giganti erano ovunque e gli artisti sperimentavano con la materialità del mezzo stesso. Allo SculptureCentre, Before Projection: video sculpture 1974-1995 ha presentato uno sguardo rigoroso su questo periodo in cui il video era scultura. La mostra è stata organizzata dai direttori dello SculptureCentre Mary Ceruti e Kyle Dancewicz e progettata da Henriette Huldisch del MIT List Visual Arts Centre.

Il video ha talvolta sostituito la carne nella mostra: in Video-Ping-Pong (1974) di Ernst Caramelle, i giocatori sono mostrati su monitor all’altezza degli occhi alle due estremità di un tavolo da tennis. In combinazione con i suoni delle racchette e dei rimbalzi, questi corpi assenti sembravano sorprendentemente fisici. Nel frattempo, in Television for Television (1983) di Takahiko Iimura, un paio di schermi si fronteggiano e si appoggiano in un dolce abbraccio che ricorda gli amanti di Magritte e le assegnazioni statiche sussurrate. C’era anche un montaggio di robot che ritraevano la violoncellista sperimentale Charlotte Moorman, collaboratrice di lunga data di Pike. testa e gli arti. Anche New Embodied Sign Language (1973-76) di Friederike Pezold utilizza strategie femministe di autoritratto come contrappeso alle rappresentazioni oggettivate delle donne. Quattro schermi sovrapposti proiettano primi piani degli occhi, della bocca, del seno e dell’inguine dell’artista, come una serie di chakra sessuali. I rifacimenti teatrali offrono l’anonimato e persino un’armatura, ma nel lavoro di oggi gli strumenti del genere e dei genitali sembrano essere crollati. .

Può essere ingiusto leggere il passato attraverso la politica del presente. Allo stesso modo, è importante riconoscere che sono opere come Snake River (1994) di Diana Sutter ad apparire riduttive. Questo è presente anche in Before Projection e, come un cromatografo naturalizzato, divide il materiale di Cowboy Western in strati rossi, blu e verdi. – All’epoca si trattava di un intervento importante. (Ibidem, il dolce e sonnolento assolo di Patty Hill su Xerox Art on Essex Street). I riferimenti all’attuale incendio di rifiuti del clima politico lo rendono particolarmente urgente.

È inoltre gratificante considerare le opere video dello SculptureCentre dal punto di vista della tecnologia digitale contemporanea: si prenda ad esempio il meraviglioso PAL or Never the Same Colour (1988) di Maria Vedder, un insieme di 25 schermi in filmati di prova che mettono a confronto gli standard cromatici europei (PAL) e nordamericani (NTSC). Come suggerisce il titolo, le prestazioni dei singoli monitor variano notevolmente. Quando si alternano le tonalità del rosso, del verde e del blu, l’installazione richiama solo Google Image Search per caricare i manufatti attraverso una cattiva connessione. I colori di ciascuna immagine vengono mediati nelle loro tonalità dominanti. Al Karma, i dipinti basati su regole del colorista Paul Mogensen spingono questa sensibilità nel regno digitale. Ciò è particolarmente vero per i piccoli pezzi che sembrano fogli di prova per una stampante domestica e per il numero considerevole di pezzi che suggeriscono alternativamente il codice Morse e la grafica di utilizzo del disco. I dipinti a olio di Dinah Matisse “Test Swatch” di High Noon, con campioni di colore su marmo, erano perfettamente proporzionati ma non molto attraenti. La loro tavolozza è costiera e si muove tra i colori brillanti dell’oceano di notte e il quasi nero delle profondità marine. Qui, però, gli schermi non sono al plasma, LCD o CRT, ma di lino teso, e i ritagli di alcuni di questi pezzi rivelano una struttura artificiale.

La stampa di prova più emozionante è stata quella di Sara Greenberger Rafferty, intitolata “Testing”, presso Rachel Uffner. Vasti sfondi di file digitali stampati a getto d’inchiostro fiancheggiavano il lungo ingresso della galleria, così come i fondali degli sponsor dell’evento Red Carpet e un desktop di computer particolarmente disordinato. Erano raggruppati in modo casuale intorno a colori dominanti, come gli sfondi neri in una sezione, il terzo inferiore del giallo-verde in un’altra e le tende itteriche. Molte delle immagini trovate provenivano da negativi di pellicole scartate su eBay, come piante e insetti preistorici, ospitati in sculture di vetro fuso che erano allo stesso tempo schermo e dispositivo. La fedeltà del colore è apparsa su vecchie cartoline promozionali a colori accanto a immagini di parti di cerniere, lenti di ingrandimento, bagagli radiografati, piante, parti del corpo e fogli di contatto, felicemente annotati con il nome dell’artista.

Si segnalano i disegni ansiosamente solenni di Stuart Davis da Paul Kasmin, il teschio a olio e il cane curioso di Miguel Abreu e i dipinti meravigliosamente tattili di Alex Dodge da Klaus von Nichtssargent, in cui sia il tessuto che la plastica termoformata sono stati utilizzati per la realizzazione di un’opera d’arte. Il petrolio viene manipolato per suggerire. Quando ho visto le fotografie vulnerabili, oneste e francamente umili di Danny Lyon nell’Enterprise di Gavin Brown, mi sono resa conto con sorpresa che le mostre a cui avrei voluto dedicare il mio tempo erano tutte di donne. Uno dei pezzi migliori della stagione è stato Hysteric Signs. Si tratta di quattro grandi sculture a parete in White Columns di Katya Tepper. Raffigura corpi smembrati in tappi, mattoni, gusci d’uovo, feltro, sigillante, tessuto e rocchetti di filo colorato. La mostra si basa sull’esperienza dell’artista di vivere con una malattia cronica: la gabbia toracica può essere intatta, ma gli organi che protegge sono tutti sbagliati. Il solo guardarli crea una sensazione istintiva, come se fossero pieni di polvere, o come se la loro bocca fosse piena di cotone.

Ma torniamo a quelle pile di rete. Sono presenti anche al di fuori del cinema, nel familiare espediente della trama in cui personaggi e pubblico apprendono le ultime novità dalla vetrina di un negozio di elettronica? Parliamo di schermi secondari e terziari (ad esempio, quando dividiamo la nostra attenzione tra cellulari, orologi, computer o televisori) come di un fenomeno nuovo, ma abbiamo sempre vissuto in questo modo? Prendiamo un’altra installazione di Pike, Giant End of the Century II (1989). Si tratta di un colosso da 207 schermi, che costituisce il fulcro della mostra Programmed: Rules, Codes, and Choreographies in Art, 1965-2018 del Whitney. 14 apr. Tratta dalla collezione del museo, la mostra presenta una panoramica molto ampia (forse troppo ampia) dell’arte e dei codici, dai concettualisti alle opere generate algoritmicamente fino alle applicazioni di realtà aumentata commissionate di recente.

Sono interessanti alcuni pezzi che evidenziano la politica fisica del digitale. Il codice non è mai neutrale, ma ha tutti i pregiudizi del programmatore, anche se inconsci; i progetti HTML e JavaScript di Mendi + Keith Obadike The Interaction of Coloreds (2002 e 2018) sono creare un esilarante sistema di controllo del colore della pelle, stravolgendo un sistema di classificazione razziale online. Trova un positivo cambiamento di analogia storica nell’ipnotica videoinstallazione di Paul Pfeiffer Goethe’s Message to the New Negro (2001). Si tratta del feticismo razziale dei giocatori di pallone. La parete sembra un tabellone da basket.

Sono presenti anche sculture su schermo. Un altro pezzo di Pike, Magnet TV (1965), fa esattamente quello che dice il testo della parete. I pesanti magneti nell’involucro dello schermo bianco e nero creano una splendida scultura moiré. Interferiscono con il segnale elettronico del televisore, distorcendo l’immagine trasmessa. Particolarmente interessante in questa serie è Thrust (1969) di Earl Rayback. Uno schermo rivestito di fosforo è posizionato perpendicolarmente al piano del tubo catodico, alterando la conversione da fascio di elettroni a immagine, dando l’aspetto di un’iride bisecata che emette fluorescenza. Figlia. O forse è solo il cervello del nostro televisore.

Ma qualcuno ha detto boob tube, visto che in Au Naturel, la prima mostra americana di Sarah Lucas, una straordinaria retrospettiva al New Museum, in programma fino al 20 gennaio, le felci harienidi ripiene di calze sono di gran lunga le più comuni. Ci sono anche molti peni, il più memorabile dei quali è un Eros e un Priapo di cemento di grandi dimensioni (entrambi del 2013) appesi sopra un’auto distrutta. Si trovano in un paddock che ospita anche una scultura commissionata di recente, This Jaguar’s Going to Heaven (2018). Questa Jaguar’s Going to Heaven (2018) è un’auto sportiva bruciata con una Marlboro fiammeggiante sul colletto. (Tra questa esposizione e la parete da arrampicata piena di peni di Andorra Wursta di qualche anno fa, il DPI del New Museum, o cazzi per pollice, è più alto di qualsiasi altro museo negli Stati Uniti).

E poi c’è il corpo rotto e schiacciato della compagna di Lucas nella performance videoregistrata Egg Massage (2015), o l’uovo fritto in una lavatrice (Electrolux), 2018, o lo sfondo bianco di un narciso, condiviso con una bocca di donna in gesso e gli elettrodomestici bianchi della serie “Muses”. è stato fatto. Purtroppo, e inspiegabilmente per un’artista la cui carriera è stata caratterizzata da una costante purificazione delle norme di genere, l’installazione performativa “One Thousand Eggs” mostra anche uno scomodo essenzialismo di genere. Un collettivo di pittura scrapbook che sembra fare un collegamento TERF tra la natura femminile e le ovaie.

Vedete, il valore scioccante di YBA è scaduto da tempo e tutti probabilmente concordano sul fatto che i genitali sono piuttosto noiosi. Ma anche in questo caso c’è una sorta di irriverente indifferenza, soprattutto nel video di Lucas che lo ritrae mentre divora salsicce e banane, e nelle tante immagini dell’artista ingrandite nel corso degli anni. Nonostante le sue preoccupazioni, è un rapporto perfettamente adatto al clima odierno. Senza voler sminuire il fondo sociale degli attacchi all’autonomia corporea e ai diritti riproduttivi, e l’impennata generale della violenza xenofoba, un uomo accusato di tentato stupro è stato incriminato dal più alto tribunale del Paese, Au Naturel. “Era esattamente ciò di cui avevamo bisogno.

Una versione di questa storia è apparsa originariamente nel numero invernale 2019 di ARTnews a pagina 104 con il titolo “Around New York”.